3ª Ed. Dibujo del Natural en Movimiento

Momentos de la Jornada de Dibujo del Natural en Movimiento en la Escuela de Arte Antonio López, con la exhibición del Grupo de deportistas del gimnasio Global Center de Alcázar de San Juan dirigidas por Alba Reguillo.

3ª EDICIÓN DE DIBUJO DEL NATURAL EN MOVIMIENTO

Cuenta la leyenda, que en la antigua Grecia, una joven corintia en la última noche con su amado, antes de que éste marchara a la guerra, decidió retener su imagen y con ella su recuerdo. Situó una vela delante del joven mientras éste dormía y con un carboncillo repasó la silueta que su sombra producía en la pared. A partir de este dibujo, su padre Butades, que era un gran artista, modeló un retrato que sirvió para perpetuar el recuerdo del joven durante el largo tiempo que éste estuvo en tierras lejanas. Plinio el Viejo, en su Historia Natural narraba la leyenda de la hija de Butades de Sición como ejemplo del origen del dibujo y la representación de la figura humana. Este bello relato nos sirve de ejemplo de la continua preocupación, a lo largo de la Historia de la Humanidad y del Arte, que ha existido por la representación de la figura humana.

Dibujar es fundamentalmente, como nos lo explicaba el gran maestro manchego Gómez Molina, “re-presentar”, volver a hacer presente, visible, aquello de lo que habla el dibujo. El dibujo permite interpretar y explicar el sentido de las cosas por medio de una configuración, ayuda a comprender el proceso con que la persona representa e interpreta los fenómenos visuales y permite establecer el orden jerárquico con que los valora. Tradicionalmente, se denomina dibujo al proceso o técnica que se pone en práctica para representar algo – un objeto, un entorno, una idea- trazando líneas sobre una superficie. Con independencia de la forma que adopte, el dibujo es el principal resorte que usamos para organizar y expresar nuestros pensamientos y percepciones visuales.

El Dibujo, entendido como proceso intelectual de percepciones, pensamientos y emociones, se materializa a través del uso del lenguaje gráfico. El estudio de los recursos propios del mismo se convierte, actualmente, en requisito imprescindible no solo para los alumnos y alumnas que optan por nuestros estudios y profesiones vinculadas a las Artes Plásticas y el Diseño, sino para toda persona que está inmersa en una sociedad que, día a día, hace más uso de la imagen como medio de comunicación. Este proceso intelectual se contempla en todos los niveles de enseñanza y aprendizaje como parte fundamental para un desarrollo integral del ser humano y la comprensión de su entorno. 

El pensamiento visual impregna toda actividad humana, es parte esencial de la vida diaria. La mente posee la capacidad de formar, explorar y combinar de nuevo imágenes más allá de los márgenes normales del espacio y del tiempo.

En la Escuela  de Arte Antonio López, mañana viernes 15 de Diciembre , realizaremos una actividad grupal artística, de puertas abiertas para todos aquellos que quieran acompañarnos. Nuestro alumnado de Bachillerato de Modalidad Artes, de Ciclos Formativos de Artes Plásticas y Diseño y los de Grado de Diseño de Producto desarrollarán el difícil ejercicio de la representación gráfica de la figura humana en movimiento, con motivo de la interesante y vistosa exhibición de CardioBox que realizará la deportista de élite Dña. Alba Reguillo junto con un grupo de deportistas de Global Center de Alcázar de San Juan.

Al igual que la hija de Butades intentó aprehender un instante de la presencia de su amado, creando un reflejo de su figura para retenerlo y, en un inútil intento, impedir su marcha a tierras lejanas, nuestras alumnas y alumnos experimentarán, con sus dibujos y fotografías, la difícil relación entre el movimiento y la huella gráfica que deja a su paso.

MANIERA NEGRA

Kusudama

Kusudama (薬玉; de kusu (japonés= kusuri), medicina, y de dama (japonés= tama), bola) es otra manera de hacer origami con varios módulos de papel que pueden ser de lo más simple hasta lo más complejo dependiendo del número de piezas de que se componga la distinción de este a otros origamis es que en algunos se utiliza pegamento o utiliza un plegado único y muy conciso. Es una técnica tan popular como el modular, con la que suele confundirse, pero difiere en el hecho de que el modular no permite el uso de pegamentos o hilos, por lo que los pliegues deben ser muy elaborados para unir las piezas.

Modular Origami (II)

Modular Origami

Origami

El origami (折り紙^?) o papiroflexia es un arte que consiste en el plegado de papel sin usar tijeras ni pegamento para obtener figuras de formas variadas, muchas de las cuales podrían considerarse como esculturas de papel. El origen de la palabra procede de los vocablos japoneses "ori" (doblar) y "kami" (papel). Después por el rendaku la kami se transformó en gami (origami = 折り紙)

En un sentido estricto, el origami es un tipo de papiroflexia de origen japonés que incluye ciertas restricciones (por ejemplo, no admite cortes en el papel, y se parte desde ciertas bases) con lo que el origami es papiroflexia pero no toda la papiroflexia es origami.

La particularidad de esta técnica es la transformación del papel en formas de distintos tamaños partiendo de una base inicial cuadrada o rectangular que pueden ir desde sencillos modelos hasta plegados de gran complejidad. En el origami se modela el medio que nos rodea y en el cual vivimos: Fauna y flora de todos los continentes, la vida urbana, herramientas de nuestra cotidianidad, animales mitológicos y un sinfín de otras figuras.

https://es.wikipedia.org/wiki/Origami

http://papelisimo.es/2015/01/que-es-origami-kusudama-kirigami/

Forma y Claroscuro.Dibujo del natural.

Representar gráficamente por medio de sombreado los objetos que componen el modelo atendiendo al estudio de la jerarquía de valores tonales. Formato 50x70. Papel Canson o similar específico para dibujo. Técnica Carboncillo, Lápiz graso, difumino, etc…

PeterDahmen: Amazing Pop-Up and 3d paper structure

Premio Nacional de Ilustración 2016

VII CERTAMEN NACIONAL GRAFFITI

Giorgio de Chirico en Barcelona

La exposición El mundo de Giorgio de Chirico. Sueño o realidad, organizada por la Obra Social “la Caixa” en colaboración con la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, llega a CaixaForum Barcelona 10 años después de la última exposición de su obra que pudo verse en España. La muestra podrá visitarse hasta el 22 de octubre de 2017 en CaixaForum Barcelona.

Drawing with Shadows

Experimentos Tipográficos de Ari Weinkle

ariweinkle.com/art/feelers

Pintura China

Elena Hikari

SHO 書 DO 道

SHODO es uno de los más antiguas y más profundas formas artísticas tradicionales en Japón, desarrollado y apreciado desde el siglo V a.c. El mundo de la caligrafía tiene una larga y rica historia a través de diferentes estilos  y expresiones durante sus 3000 años de existencia.

SHODO no es solo una importante forma artística en Japón, es también una concepción estética y una actitud ante la vida.

La profundidad de la belleza en SHODO es el resultado de de diversas técnicas acompañadas por la suma de  la fluidez del pincel y la tinta con la espiritualidad y silencio de la concentración.

SHODO es una palabra japonesa que puede ser traducida como el modo de escritura manual o caligráfica. 

Se compone de dos caracteres Kanji :

SHO 書:  escribir

DO 道 : el camino o estilo

Es una ancestral manifestación artística que se diferencia de otras expresiones en la búsqueda de la simplicidad, la belleza y fundamentalmente en la total conexión entre cuerpo y mente.

La verdadera caligrafía del SHODO se consigue combinando los elementos de línea, forma y espacio. Requiere de una gran práctica y capacidad de conexión con uno mismo.

Lo más complicado para los que empiezan en esta disciplina es tener un MUSHIN 無心: estado de inconsciencia o ausencia de pensamientos, requiriendo un alto nivel de espiritualidad y meditación libre de interferencias externas.
Después de muchos años de práctica se consigue una máxima concentración que se traducirá en el significado de cada uno de los pictogramas. Claramente existe una influencia del Budismo Zen y su carga filosófica.

shodocreativo.com

CONSEJOS PARA EL DIBUJO DEL NATURAL

Pequeña guía para mejorar nuestro Dibujo del Natural:

1.Observa lo que estás dibujando y no dibujes lo que sabes que hay.
Puede parecer obvio pero no es así, ya que frecuentemente no se observa suficiente el modelo y se suele recurrir a representar lo que ya se sabe que hay delante, por tanto perdemos gran cantidad de detalles e información del modelo en nuestro dibujo.

2. Dibuja de objetos reales siempre que puedas.
Dibujo del natural incluye cualquier objeto o utensilio de los que nos rodean en nuestra vida diaria, lo verdaderamente importante es desarrollar nuestra capacidad de observación y análisis de la realidad.

3. No calcar o copiar de imágenes o fotografías.
Los procedimientos de layout o mesa de luz son técnicas muy útiles para el Diseño o la Animaión pero no nos van a ayudar en nuestro aprendizaje del dibujo del natural.

4. Comprender y aplicar la perspectiva.
Los recursos de la Perspectiva y los Indicadores de Profundidad son muy importantes en el Dibujo, por ello debemos aprender a aplicarlos en nuestros dibujos.

5. Emplea el encaje para las proporciones, antes de añadir detalles.
Antes de introducir detalles y aspectos superficiales debemos construir nuestro dibujo con adecuadas proporciones y una estructura sólida que mantenga en pie nuestra obra hasta el final. Si no lo hacemos así, por mucho que nos empeñemos en dar calidades texturales o detalles realistas, nuestro dibujo no será creíble y se "caerá" en un primer vistazo.

6. Aprende a dibujar formas complejas como las curvas o elipses.
Debemos practicar determinadas formas complicadas de realizar como por ejemplo todo tipo de curvas. Es frecuente que las elipses que aparecen en los objetos en perspectiva sean un  obstáculo para dar credibilidad a nuestros dibujos.

7. Elimina la línea en el tratamiento de la luz y las superficies.
Cuando trabajamos la valoración tonal y el volumen en los objetos de la realidad, tenemos que recordar que ahí no existen líneas de ningún tipo, principalmente de contorno.

8. Amplia el número de tonalidades empleadas en tus dibujos a color.
Cuando se trabaja en color hay que desarrollar una sensibilidad y habilidad especial con los diferentes matices y tonos que aparecen ante nuestros ojos, sabiendo representarlos en el papel.

9. Utiliza la textura como recurso expresivo y descriptivo.
La textura es uno de los factores más importantes de descripción e información de la realidad, si lo empleas adecuadamente tus dibujos mejorarán increíblemente.

10. Aprende a manejar el nivel de detalle de tus dibujos.
La inclusión de más o menos detalles en un dibujo debe ser decidido por el dibujante de modo inteligente para no recargar en exceso la composición, conservando los aspectos realistas del dibujo.

11. Introduce tu personalidad y emociones.
Aunque en un dibujo naturalista es importante la fidelidad a la realidad debemos intentar siempre impregnarlo de nuestra personalidad y darle un carácter diferenciador a nuestros dibujos.