jueves, 11 de mayo de 2017

Pintura China

Elena Hikari

SHO 書 DO 道

SHODO es uno de los más antiguas y más profundas formas artísticas tradicionales en Japón, desarrollado y apreciado desde el siglo V a.c. El mundo de la caligrafía tiene una larga y rica historia a través de diferentes estilos  y expresiones durante sus 3000 años de existencia.
SHODO no es solo una importante forma artística en Japón, es también una concepción estética y una actitud ante la vida.
La profundidad de la belleza en SHODO es el resultado de de diversas técnicas acompañadas por la suma de  la fluidez del pincel y la tinta con la espiritualidad y silencio de la concentración.
SHODO es una palabra japonesa que puede ser traducida como el modo de escritura manual o caligráfica. 
Se compone de dos caracteres Kanji :
SHO :  escribir
DO 道 : el camino o estilo


Es una ancestral manifestación artística que se diferencia de otras expresiones en la búsqueda de la simplicidad, la belleza y fundamentalmente en la total conexión entre cuerpo y mente.
La verdadera caligrafía del SHODO se consigue combinando los elementos de línea, forma y espacio. Requiere de una gran práctica y capacidad de conexión con uno mismo.

Lo más complicado para los que empiezan en esta disciplina es tener un MUSHIN 無心: estado de inconsciencia o ausencia de pensamientos, requiriendo un alto nivel de espiritualidad y meditación libre de interferencias externas.
Después de muchos años de práctica se consigue una máxima concentración que se traducirá en el significado de cada uno de los pictogramas. Claramente existe una influencia del Budismo Zen y su carga filosófica.

miércoles, 10 de mayo de 2017

CONSEJOS PARA EL DIBUJO DEL NATURAL

Pequeña guía para mejorar nuestro Dibujo del Natural:

1.Observa lo que estás dibujando y no dibujes lo que sabes que hay.
Puede parecer obvio pero no es así, ya que frecuentemente no se observa suficiente el modelo y se suele recurrir a representar lo que ya se sabe que hay delante, por tanto perdemos gran cantidad de detalles e información del modelo en nuestro dibujo.



2. Dibuja de objetos reales siempre que puedas.
Dibujo del natural incluye cualquier objeto o utensilio de los que nos rodean en nuestra vida diaria, lo verdaderamente importante es desarrollar nuestra capacidad de observación y análisis de la realidad.


3. No calcar o copiar de imágenes o fotografías.
Los procedimientos de layout o mesa de luz son técnicas muy útiles para el Diseño o la Animaión pero no nos van a ayudar en nuestro aprendizaje del dibujo del natural.


4. Comprender y aplicar la perspectiva.
Los recursos de la Perspectiva y los Indicadores de Profundidad son muy importantes en el Dibujo, por ello debemos aprender a aplicarlos en nuestros dibujos.

5. Emplea el encaje para las proporciones, antes de añadir detalles.
Antes de introducir detalles y aspectos superficiales debemos construir nuestro dibujo con adecuadas proporciones y una estructura sólida que mantenga en pie nuestra obra hasta el final. Si no lo hacemos así, por mucho que nos empeñemos en dar calidades texturales o detalles realistas, nuestro dibujo no será creíble y se "caerá" en un primer vistazo.

6. Aprende a dibujar formas complejas como las curvas o elipses.
Debemos practicar determinadas formas complicadas de realizar como por ejemplo todo tipo de curvas. Es frecuente que las elipses que aparecen en los objetos en perspectiva sean un  obstáculo para dar credibilidad a nuestros dibujos.


7. Elimina la línea en el tratamiento de la luz y las superficies.
Cuando trabajamos la valoración tonal y el volumen en los objetos de la realidad, tenemos que recordar que ahí no existen líneas de ningún tipo, principalmente de contorno.




8. Amplia el número de tonalidades empleadas en tus dibujos a color.
Cuando se trabaja en color hay que desarrollar una sensibilidad y habilidad especial con los diferentes matices y tonos que aparecen ante nuestros ojos, sabiendo representarlos en el papel.

9. Utiliza la textura como recurso expresivo y descriptivo.
La textura es uno de los factores más importantes de descripción e información de la realidad, si lo empleas adecuadamente tus dibujos mejorarán increíblemente.

10. Aprende a manejar el nivel de detalle de tus dibujos.
La inclusión de más o menos detalles en un dibujo debe ser decidido por el dibujante de modo inteligente para no recargar en exceso la composición, conservando los aspectos realistas del dibujo.

11. Introduce tu personalidad y emociones.
Aunque en un dibujo naturalista es importante la fidelidad a la realidad debemos intentar siempre impregnarlo de nuestra personalidad y darle un carácter diferenciador a nuestros dibujos.


martes, 9 de mayo de 2017

10 errores frecuentes cuando comienzas a ser Estudiante de Escuela de Arte

Hoy os voy a dar una relación de pequeños consejos que después de muchos años dando clases de Dibujo he ido observando que siempre tengo que comentaros cuando llegáis a una de mis clases por primera vez. Espero que os sean útiles y podáis llegar a ser ese gran artista plástico o comunicador gráfico que soñáis ser.

1. Pensar que es una actividad para entretenimiento y ocio.
Por desgracia en el pensamiento popular existe el convencimiento de que la actividad de creación artística en cualquiera de sus expresiones (dibujo, pintura, escultura, etc..) es una asignatura "maría" de la educación de un individuo y solo tiene una finalidad de hobby o actividad de ocio superflua o anecdótica. Por el contrario, la realidad es que todo aquel que se haya enfrentado al durísimo salto que representa el papel en blanco podrá decir con todo el derecho del mundo que es una de las actividades humanas más abstractas y complejas, requiriendo grandes esfuerzos mental y emocional además del puramente físico.

2. Tomarte demasiado tiempo para empezar.
Por la misma razón anterior se suele posponer e incluso abandonar la expresión artística por parte del estudiante medio para realizar estudios "más útiles" o "con más salidas profesionales". El ser humano demuestra su inteligencia en ramas del conocimiento como las Artes Plásticas y el Diseño, que deben ser estimuladas desde los primeros años del colegio y que por desgracia con el sistema educativo actual regido por leyes retrógradas y reaccionarias, están siendo recortadas o anuladas en su totalidad.

3. Composiciones aburridas y poco estimulantes.
Por desgracia suelo observar que aunque los gustos estéticos e intereses artísticos del alumnado suelen ser actuales, diversos, modernos,alternativos y muy atractivos, resulta que muchos de ellos cuando se deciden a realizar una composición para alguno de mis ejercicios, terminan cayendo en temas infantiles (corazones,caballos, delfines...), aburridos, simplistas o mal compuestos. Piensan que todo aquello que es para los trabajos y proyectos de clase tiene que ser aburrido y en el no tiene cabida ese mundo estético y expresivo que le atrae en el mundo real.

4. Insistir en tus puntos débiles o tus peores capacidades.
El estudiante de arte cuando comienza suele autocriticarse mucho y no está satisfecho con sus capacidades, preocupándose demasiado de esto, en vez de disfrutar de descubrir todoel abanico de nuevas posibilidades que se le abre ante él o ella.

5. Quedarte en la primera idea y no desarrollarla.
Un factor de éxito será la producción de una gran cantidad de ideas y propuestas ante un proyecto de clase, así podremos elegir de un gran repertorio de soluciones y no nos quedaremos con ese primer dibujo que es tan parecido a lo que llevamos haciendo desde tanto tiempo para todo.

6. Romper todo lo que haces y continuamente recomenzarlo.
Una cosa es investigar y producir gran cantidad de imágenes e ideas gráficas y otra cosa es ser demasiado autocrítico, borrando todo y rompiendo hasta el más mínimo boceto que no nos guste. Es bueno dejarlo reposar e incluso mostrarlos a otros ojos que estén "limpios", por ejemplo, amigos o familiares.

7. Dibujar copiando de otros o de imágenes obtenidas en Internet.
Es importante para aprender a dibujar, preferentemente dibujar del natural,porque las capacidades de observación e interpretación del natural no se desarrollan ni copiando dibujos de otros ni de imágenes fotográficas.

8. Perder el tiempo escribiendo lo que vas a hacer.
Las ideas hay que cazarlas al vuelo con trabajo y dibujando, no merece la pena perder el tiempo escribiendo o hablando sobre lo que uno quiere hacer, hay que dibujarlo desde el esbozo mas borroso hasta concretarlo en nuestro dibujo final.

9. Presentar de modo pobre o sucio tus trabajos.
Una lástima la cantidad de dibujos y composiciones malogradas por una presentación mala o descuidada. Debes preocuparte por tus dibujos como el/la que más, para que puedan ser observados y disfrutados como se merecen.

10 Dejarlo todo para el final.
Cuando doy un plazo de tiempo un poco largo para hacer un proyecto, suele haber cierta pérdida de perspectiva por muchos alumnos/as que prefieren posponerlo hasta que irremediablemente es demasiado tarde para hacer un buen trabajo.

martes, 28 de marzo de 2017

ANATOMÍA ARTÍSTICA

Exposición de trabajos realizados por las alumnas y alumnos de Dibujo Artístico de 1º de Bachillerato para poner en práctica los conceptos relacionados con la Anatomía Artística y el dibujo de la figura humana.



















VARIACIONES CROMÁTICAS.

Selección de trabajos sobre teoría del color realizados por el alumnado de Dibujo Artístico I de 1º Bachillerato.