jueves, 25 de marzo de 2010

BASES DEL XXII CERTAMEN DE ARTES PLÁSTICAS “FERNANDO ZÓBEL”



El Instituto de Educación Secundaria “Fernando Zóbel” de Cuenca convoca el XXII Certamen de Artes Plásticas FERNANDO ZÓBEL que se regirá por las siguientes bases:
1. Participantes: Podrán participar todos los jóvenes nacidos o residentes en Castilla-La Mancha, con edades comprendidas entre los 13 y los 30 años.
2. Se establecen dos categorías:
Categoría A: estudiantes de ESO, Bachillerato y Ciclos Formativos de grado medio, menores de 20 años.
Categoría B: estudiantes de Enseñanza Superior o jóvenes hasta 30 años.
3. Se admitirán obras de dibujo, pintura, escultura y fotografía, originales, con técnicas y procedimientos libres. Cada autor podrá presentar un máximo de dos obras, siempre que la mayor de sus dimensiones no exceda de 120 cm. Las obras se presentarán de forma que permitan su exposición directa, sin necesidad de manipulaciones posteriores. Los dibujos irán sobre soporte rígido y sin cristal.
4. Se establecen los siguientes premios:
Categoría A: un primer premio de 500 € y dos accésit de 350 € cada uno.
Categoría B: un primer premio de 1500 € y un accésit de 800 €..
5. El plazo de admisión de las obras concluirá el viernes 14 de mayo. Podrán entregarse en mano en el propio Instituto, en horario de 9 a 14 horas y de 17 a 21 horas, de lunes a viernes, o bien ser remitidas a portes pagados a la siguiente dirección:
IES Fernando Zóbel
Calle de la Fuensanta s/n
16002 CUENCA
Tfno. 969 228 711 Fax 969 225 058 http://edu.jccm.es/ies/fernandozobel
6. Las obras deberán ir acompañadas de los boletines de inscripción, debidamente cumplimentados, excepto el número de registro, y de fotocopia del DNI y, en su caso, de fotocopia de los estudios que se realicen.
7. Existirá un Jurado único, encargado de otorgar los premios y de seleccionar, entre las obras presentadas, aquellas que formarán parte de la exposición que tendrá lugar durante la segunda quincena de junio del presente año en la Sala de Exposiciones de Caja Castilla-La Mancha en Cuenca.
La composición del Jurado, presidido por la Directora del IES Fernando Zóbel”, se dará a conocer al publicarse el fallo de los premios. De él formará parte el ganador del Certamen de la edición anterior en su categoría superior.
8. Las obras premiadas quedarán en poder del IES “Fernando Zóbel”. Las demás obras deberán ser retiradas en el plazo máximo de tres meses a partir de la fecha de la clausura de la exposición, entendiéndose que, tras ese plazo, el autor renuncia a sus obras, pudiendo el IES “Fernando Zóbel” disponer de ellas libremente.
9. El IES “Fernando Zóbel” no se hará responsable en ningún caso de extravíos o daños que pudieran sufrir las obras presentadas al Certamen, aunque vigilará su correcta conservación y adecuado trato.
10. El Jurado del Certamen queda capacitado para resolver las dudas que en la interpretación de estas Bases puedan plantearse, así como resolver aquellas situaciones no contempladas por las mismas. Sus decisiones y fallo serán inapelables.

lunes, 22 de marzo de 2010

Movilidad Creativa para Jovenes Artistas 2010

La Red Española de Albergues Juveniles (REAJ) realiza una convocatoria abierta dirigida a jóvenes artistas plásticos, menores de 35 años, para seleccionar entre 40 y 50 creadores que intervendrán en proyectos multidisciplinares en cinco ciudades del territorio nacional que cuentan con albergues juveniles adscritos a REAJ.

El plazo de presentación de las solicitudes quedará abierto hasta 31 de marzo hasta las 16:00 horas.

Bases Convocatoria PDF

Premios Injuve para la Creación Joven 2010

Convocatoria de premios anual y de ámbito nacional convocada por el Instituto de la Juventud y dirigida a los jóvenes menores de 30 años en las modalidades de:
  • Artes Visuales
  • Cómic e Ilustración
  • Diseño
  • Interpretación Musical (antes "Circuitos de Música")
  • Composición de Música Contemporánea
  • Textos teatrales “Marqués de Bradomín”
  • Narrativa y Poesía
  • Propuestas Escénicas
Más de un centenar de jóvenes artistas premiados y seleccionados disfruta cada año, según su especialidad, además de un premio en metálico, de una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid con itinerancias en España y el extranjero, un catálogo colectivo o publicación, conciertos, representaciones teatrales y perfomance y de una gran difusión en el ámbito de su disciplina.

Bases de la Convocatoria

lunes, 15 de marzo de 2010

TÉCNICAS GRÁFICAS VI: GOUACHE


Superficies y materiales.
Con excepción de los papeles más pesados y rugosos, todos los papeles empleados para acuarela sirven también para gouache. También se pueden usar, con buenos resultados, papeles teñidos y coloreados.
También se pueden usar los mismo tipos de tableros preparados que se empleaban para acuarela, pero la superficie ideal par un buen trabajo es un cartón ligeramente desgastado por fricción. Los tableros muy lisos no son buenos.


Aglutinantes y colores.
El aglutinante del gouache es la goma arábiga, lo mismo que en la acuarela. Sin embargo, a diferencia de esta, todos los colores contienen pigmento blanco, de modo que con gouache se pude trabajar de lo más oscuro a lo más claro, y no sólo de lo claro a lo oscuro. Algunos colores de gouache contienen también una emulsión plástica y resisten al agua una vez secos.
Los colores vienen en tubos o en frascos, a veces con la etiqueta de "colores de diseñador". Windsor & Newton fabrican una gama de excelente calidad.

Se pueden mezclar accuarelas con gouache blanco y agua, añadiendo a ésta una pequeña cantidad de goma arábiga; de este modo se puede emplear la gama normal de acuarelas. Si se usan acuarelas para un trabajo en gouache es importante asegurarse de que están totalmente limpias de gouache antes de volver a utlizarlas para un dibujo de acuarela.


El gouache es un color sólido y opaco; a diferencia de la acuarela, su efecto no se basa en el brillo del papel a través del color. Al secarse quedan mucho más claros que cuando se aplican. La superficie final es mate y de apariencia algo terrosa. La ventaja es que se pude conseguir una superficie final absolutamente plana, pero hace falta experiencia para conseguirlo.

Lavado.
Igual que con la acuarela los lavados hay que empezarlos empezando por arriba. Es aconsejable emplear el tablero en horizontal. También se puede aplicar el lavado por zonas, como charcos de color.Antes de aplicarlos hay que mezclar con agua el color, hasta que tenga la consistencia de crema muy diluida. Así se puede cubrir una superficie máxima, sin que se noten las pinceladas. Si es preciso aplicar una segunda capa hay que dejar que se seque antes la primera.

La superficie seca se raya y estropea con facilidad, así que es conveniente proteger las áreas acabadas.

Textura,salpicaduras y raspados.
Las técnicas de salpicado que se emplean con acuarela y pinturas acrílicas se pueden aplicar también con gouache.
Para producir texturas puede tambien rasparse la superficie con una cuchilla o navaja, o con la punta de un bisturí.
Otro sistema es mezclar pasta de textura con la pintura, y a pasar un pincel, o las puas de un peines, por la superficie para reproducir la textura de la madera, espirales y otros efectos.

Para saber más: " Guía Completa de Ilustración y Diseño. Técnicas y Materiales". Terence Dalley. Ed Hermann Blume.

viernes, 12 de marzo de 2010

ARTĚL. ARTE DE USO COTIDIANO 1908-1935


muvim12-u.jpgDel 4 de marzo al 2 de mayo de 2010
Comisaria, Jiri Fronek
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM).
muvim@dival.es
www.muvim.es
Este año, el Museo de Artes Decorativas de Praga conmemora el centenario de la fundación de Artěl, una de las instituciones más importantes de cuantas se especializaron en las artes aplicadas y el diseño checos en la primera mitad del siglo XX. La exposición explorará los empeños creativos de la asociación, que se extendieron a lo largo de un cuarto de siglo, a través de un despliegue de productos y diseños portadores de la prestigiosa marca Artĕl expuestos en diversas secciones.
Artěl fue creada en 1908 en Praga por una generación emergente de artistas y teóricos de arte (J. Benda, V.H. Brunner, J. Konůpek, O Vondráček, P. Janák, H. Johnová, M. Teinitzerová, V.V. Štech y el empleado de banca A. Dyk). Al poco de su fundación, el número de miembros de Artěl se incrementó y los nombres de las figuras más destacables del panorama artístico checo acabaron inevitablemente vinculados a la asociación.
Se optó por la denominación «Artěl» (un préstamo del ruso, cuyo término «apтель» significa «cooperativa») por entenderse que expresaba el carácter que se pretendía para la asociación: una cooperativa dotada de responsabilidad mutua, apoyo financiero y reparto de beneficios. En un principio, los fundadores aspiraban a construir sus propias instalaciones para la producción, a la manera del Wiener Werkstätte. Sin embargo, la falta de fondos y de condiciones específicas empujaron a la cooperativa hacia el diseño y la promoción de productos así como a exponer las creaciones de sus asociados y a intermediar en sus ventas. Los diseños de los artistas eran fabricados por toda una serie de compañías externas bajo la marca Artěl.
Aunque en un primer momento, la cooperativa bebió de la tradición reformista y los valores artesanales, centrándose en el diseño y la fabricación de un «arte menor de uso cotidiano» –pequeños productos funcionales y decorativos hechos en madera, cerámica, metal y otros materiales–, con el paso de los años extendió sus actividades para abarcar diseños integrales de domicilios privados y espacios comerciales. Durante el breve periodo de preguerra de 1911-1914, una clara tendencia cubista-expresionista se apoderó de la producción de Artěl, plasmada en los diseños y los estudios teóricos de los arquitectos Pavel Janák y Vlastislav Hofman. Esos años presenciaron la creación de objetos cubistas únicos realizados principalmente en cerámica. Tras la fundación de un estado checoeslovaco independiente, la asociación se unió a la búsqueda general de un estilo nacional diferenciado, representado por el movimiento de arte decorativo de la década de los veinte del pasado siglo. Tras el final de la I Guerra Mundial, Artěl continuó mostrando su atracción por el legado de la experimentación cubista, con un dominio de los motivos geométricos y una tendencia hacia la economía de la forma. En 1927-1930, bajo la orientación de Jaroslava Vondráčková, la producción creativa de Artěl acusaría la influencia del funcionalismo.
En 1920, la cooperativa cambió su estatus por el de sociedad anónima, pasando a denominarse Artěl, Empresa de Artes Decorativas, Sociedad Anónima, Praga, respondiendo así a los acontecimientos de la posguerra en ese campo reflejando un esfuerzo por cambiar la producción artesanal característica del trabajo en estudio por la de una moderna empresa capaz de acometer grandes encargos (por ejemplo, el equipamiento, en 1922, de una treintena de habitaciones del Hotel Hviezdoslav, de propiedad estatal, ubicado en la localidad turística de Štrbské Pleso en los Montes Tatra, en Eslovaquia) recurriendo al apoyo de la producción industrial. Artĕl participó también con éxito en exposiciones celebradas en Monza en 1923 y en París en 1925, y la prensa de la época publicó obras y tratados de sus miembros. A mediados de la década de los años veinte, la sociedad anónima comenzó a sufrir problemas financieros y en 1935, acuciada por la crisis económica, Artěl cerró sus puertas.
A lo largo de su existencia, Artěl dio lugar al surgimiento de toda una serie de creencias y estilos, pero todos ellos perseguían, invariablemente, un interés común: introducir una visión estética moderna en el ámbito de las artes aplicadas y contribuir a la evolución de los interiores domésticos y los estilos de vida. Gracias a ello, Artěl ocupa la posición que merece en el seno del arte moderno y el diseño europeos, junto a los ejemplos artísticamente inspiradores del Wiener Werkstätte austriaco o la Bauhaus alemana.

Información extraída de w3art.es.

I Semana del Diseño. Universidad Europea de Madrid.


arne_jacobsen-u.jpgLa I Semana del Diseño de la Universidad Europea de Madrid nace con el objetivo de acercar a los estudiantes la realidad más actual del diseño, desarrollando proyectos específicos, en algún caso reales, con profesionales que aportarán una visión complementaria al trabajo en las aulas.
www.uem.es
Lugar: Campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, C/ Tajo s/n, Urb. El Bosque, Madrid.
Fechas: del 15 al 18 de abril
Organiza: Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid
Director Área de Arte y Diseño: Pr. Joaquín Ivars
Directora de Departamento de Diseño: Pr. María Fullaondo
Coordinadora de las titulaciones de Diseño: Pr. Delfina Morán
Dirigido a:
Podrán participar en los talleres alumnos de Arte, Arquitectura y titulaciones de Comunicación vinculadas al diseño de la Universidad Europea de Madrid, así como diseñadores y alumnos de otros centros educativos de diseño.
Inscripciones e información:
Para inscripciones, enviar un correo indicando el taller en el que se desea participar a Delfina Morán (delfina.moran@uem.es). Las plazas son limitadas.

miércoles, 10 de marzo de 2010

JORNADAS CULTURALES 2010

Aquí os mostramos imágenes de la Acción Colectiva y de la Exposición que realizamos el pasado Viernes 5 de Marzo, donde colaboraron alumnos/as de la Escuela y de los IES que nos visitaron.
Muchas gracias a todos/as aquellos que ayudásteis, ya que sin vosotros/as no hubiera quedado tan bien.


martes, 9 de marzo de 2010

II CONCURSO DE DISEÑO TALENTOS DESIGN 10

Convocado por la Fundación Banco de Santander, en colaboración con Universia, para mayores de 18 años universitarios matriculados en el curso 2009/2010. Plazo de solicitud el 27 de abril.
Más información en Internet.



INSTRUCCIONES:

Si eres creativo y crees firmemente que el arte también puede ser sostenible, demuéstranos tu talento. La Fundación Banco Santander, en colaboración con Universia, te da la oportunidad de ganar hasta 5.000 euros y ver tu obra expuesta en Casa de América. ¡Sigue leyendo!

Quién puede participar
Pueden participar los estudiantes mayores de edad (18 años) de cualquier Universidad, Centro o Escuela de Enseñanza Superior, con independencia de su nacionalidad. Es requisito indispensable que los participantes estén matriculados en el curso académico 2009 / 2010.
Requisitos
Para participar es necesario que seas usuario de Universia y te registres aquí Podrás enviar un máximo de 5 obras (sólo 1 por categoría). Además, deberás completar una ficha técnica explicando cada proyecto. El resto de los requisitos dependen de la categoría en la que quieras concursar:
  • Espacios e Interiorismo: deberás enviarnos una foto en formato .jpg, que no pese más de 1MB y no mida más
    de 1024 px de ancho, o bien un vídeo sistema PAL, .avi, .mov, .mpeg o .wmv de un peso máximo de 10 MB.
  • Industrial o Productos: deberás enviarnos una foto en formato .jpg, que no pese más de 1MB y no mida más de
    1024 px de ancho, o bien un vídeo sistema PAL, .avi, .mov, .mpeg o .wmv de un peso máximo de 10 MB.
  • Gráfico: deberás enviarnos una foto en formato .jpg, que no pese más de 1MB y no mida más de 1024 px de ancho.
  • Moda y Textil: deberás enviarnos una foto en formato .jpg, que no pese más de 1MB y no mida más de 1024 px de ancho, o bien un vídeo sistema PAL, .avi, .mov, .mpeg o .wmv de un peso máximo de 10 MB
  • Digital: deberás enviarnos la URL de la web con la que deseas participar en el concurso y una foto de la home, en formato .jpg, que no pese más de 1MB y no mida más de 1024 px de ancho.
Importante: Si alguno de los requisitos anteriormente expuestos no son cumplidos por el concursante, la Organización se reserva el derecho de anular o rechazar dicho proyecto.
Calendario
Los concursantes podrán enviar sus obras a partir de las 17:00 horas del 27 de enero hasta el 27 de abril de 2010. La fecha límite de admisión de obras es el día 27 de abril de 2010 a las 11:00 horas.
El período de votaciones de las obras comenzará a las 17:00 horas del 27 de enero de 2010 y terminará el día 3 de mayo de 2010, a las 11:00 horas.
La notificación de las obras seleccionadas para su exposición se hará el día 11 de junio de 2010.
Los participantes cuyas obras hayan sido seleccionadas deberán enviar todos los materiales necesarios para la exposición antes del 25 de junio de 2010, de la manera en la que la Organización estipule, poniéndose ésta en contacto con cada uno de los concursantes finalistas.

lunes, 8 de marzo de 2010

EL CUADERNO DE DIBUJO

Aprender a dibujar tiene que ver con pensar de una forma nueva.


El problema más difícil es intentar que el cerebro deje de traducir lo que ve por palabras. Las palabras son maravillosas,pero tienen poca relación con el dibujo y con aprender a ver,realmente.Prueba y fomenta esta forma de ver y pensar distinta todo el tiempo, no sólo cuando estés dibujando.



Acostúmbrate a hacer preguntas más visuales sobre el mundo que sólo las mínimas necesarias para reconocer algo.

Practica el dibujo en tu cabeza anotando proporciones,ángulos y relaciones. Así lo transformarás en una forma natural de observar no en algoque debes recordar hacer en un momento especial en la clase de dibujo. Sólo se puede adquirir fluidez en un idioma cuando se empieza a pensar en ese idioma. Lo mismo ocurre con el dibujo.Sin embargo, mirar o pensar sobre algo es evidentemente muy distinto al rigor visual que impone la producción de un dibujo.


Adquirir un hábito de dibujar es tan importante como practicar de forma regular cuando se está aprendiendo a tocar un instrumento.Tener un cuaderno de bocetos en todo momento a mano hace posible dibujar siempre que se necesite y fomenta el hábito. Es deprimente ver cómo muchas buenas ideas se olvidan porque no se anotan inmediatamente.



Es preferible el término "libro de dibujo" o "libreta visual" porque la palabra boceto parece implicar algo menos importante o valioso. Esto no significa que estos dibujos tengan que ser muy elaborados, sino que se tienen en cuenta con independencia de lo rápido que se hayan hecho.



La intención dictará el tiempo necesario y la apariencia final del dibujo, no una fórmula predeterminada sobre cómo producir un boceto. El libro de dibujo puede ser de cualquier tamaño que te parezca adecuado; combinar diversos tamaños para adaptarse a varias situaciones tambien puede ser una buena idea. Lo principal es que sea posible dibujar con facilidad y frecuentemente.



Constable solía utilizar cuadernos bastante pequeños; páginas de 6 x 8 cm, pero contienenhasta tres dibujos a pesar de superponerse unos a otros.

Otros dibujantes realizan notas y observaciones al margen.Estos libros de dibujo son muy personales, por ejemplo Pierre Bonnard (1867-1947) solía utilizar un diario como cuaderno de dibujo , y además de dibujar registraba el tiempo que hacía cada día en una o dos palabras.

 Para saber más:"Perfeccionar el Lenguaje de la Expresión Visual. Dibujo" Keith Micklewright. Ed Blume.

jueves, 4 de marzo de 2010

Nuevos Tiempos para el Graffiti.Fundación Miró.

La pintura mural vive un momento de auge de la mano del Street Art, que se ha colado en los más prestigiosos museos a fuerza de originalidad y atrevimiento. La Fundación Miró busca en las paredes de todo el mundo las novedosas formas que renuevan esta vieja expresión artística.
  Desde hace más de una década, la moda de los graffitis ha vuelto a llamar la atención sobre el arte público y sobre la pintura mural que parece más viva que nunca. Eso es lo que intenta reivindicar la muestra titulada “Murales”, que reúne en la Fundación Joan Miró de Barcelona las creaciones de once artistas internacionales que han intervenido directamente en las paredes del edificio.

La selección confronta a artistas que abordan la pintura mural con intereses y objetivos muy diversos, desde graffiteros de vocación eminentemente urbana, como Scope One, de Singapur, y UTRCrew, de Bosnia-Herzegovina, hasta el creador de un poético jardín vertical, el arquitecto mexicano Jerónimo Hagerman, pasando por el colectivo de mujeres soninké, procedentes de Mauritania, que mantienen viva una tradición pictórica milenaria.




Todos los artistas invitados han creado una obra específica para los espacios de la Fundación Miró.

Algunos mantienen lazos estrechos con ciertas costumbres de su país como las seis mujeres mauritanas y el artista tailandés Sakarin Krue-On, que se interesa especialmente por el valor espiritual e iconográfico de la pintura mural budista.

Con un planteamiento radicalmente distinto, los españoles Eltono y Nuria intervienen directamente en los espacios urbanos.

Con el artista alemán Lothar Götz entramos en un universo muy distinto, que nada tiene que ver con el Street Art: crea murales con formas geométricas que recuerdan a los wall drawings del minimalista Sol LeWitt.



Murales

Prácticas murales contemporáneas
19/02 - 06/06/2010