lunes, 19 de abril de 2010

DIBUJO Y EXPRESIÓN (III) .GRATTAGE.



GRATTAGE

Técnica que consiste en raspar o rascar los pigmentos de pintura ya secos sobre la superficie de madera o lienzo.Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró, y más tarde por el informalismo, especialmente por Antoni Tàpies.



ANTONI TAPIES

Antoni Tàpies i Puig (Barcelona, 13 de diciembre de 1923) es un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX.


La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

De formación autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinan la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.

En su obra más característica dentro del informalismo matérico, Tàpies emplea técnicas que mezclan los pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve.



Tàpies define su técnica como “mixta”: pinta sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal, disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplica la ”mixtura”, mezcla de polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.

Cuando está casi seco hace un grattage con tela de arpillera, aplicada sobre la superficie, y cuando está adherida la arranca, creando una estructura de relieve, con zonas rasgadas, arañadas o incluso horadadas, que contrastan con los cúmulos y densidades matéricas de otras zonas del cuadro.

A continuación, hace un nuevo grattage con diversos útiles (punzón, cuchillo, tijeras, pincel). Por último, añade signos (cruces, lunas, asteriscos, letras, números, etc.), en composiciones que recuerdan el grafiti, así como manchas, aplicadas mediante dripping.

No añade elementos de fijación, por lo que las obras se degradan rápidamente –la mixtura es bastante efímera–; sin embargo, Tàpies defiende la descomposición, como pérdida de la idea de la eternidad del arte, le gusta que sus obras reflejen la sensación del paso del tiempo. A ello contribuye también sus propias huellas en la obra, las incisiones que practica, que para él son un reflejo de la naturaleza.[29

Las obras más características de Tàpies son las que aplica su mixtura de diversos materiales en composiciones que adquieren la consistencia de muros o paredes, a las que añade distintos elementos distintivos a través de signos que enfatizan el carácter comunicativo de la obra, semejando el arte popular del "grafiti".

Esta consistencia de muro siempre ha atraído a Tàpies, al cual además le gustaba relacionar su estilo con la etimología de su propio apellido:

“El muro es una imagen que encontré un poco por sorpresa. Fue después de unas sesiones de pintura en las que me peleaba tanto con el material plástico que utilizaba y lo llenaba de tal cantidad de arañazos que, de pronto, el cuadro cambió, dio un salto cualitativo, y se transformó en una superficie quieta y tranquila. Me encontré con que había pintado una pared, un muro, lo cual se relacionaba a la vez con mi nombre”

JEAN DUBUFFET

(El Havre, Francia, 1901-París, 1985) Artista francés. Estudió pintura, pero se dedicó al comercio de vinos hasta 1942, año en que emprendió con carácter definitivo la carrera artística. Desde entonces hasta su muerte se convirtió en uno de los artistas más innovadores del panorama mundial.

Su nombre está vinculado en particular al art brut, tendencia que toma como referencia el arte popular, el arte de los niños o de los enfermos mentales, es decir, que aspira a una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica.

La importancia del arte de Dubuffet radica, por ello, en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y las técnicas tradicionales.

Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de renombre y consideración mundiales. Como es obvio, su creación artística se distingue por el carácter primario del impulso creativo y por el empleo de diversos materiales en unión con la pintura, como arena, barro, yeso o detritus orgánicos.

DIBUJO Y EXPRESIÓN (II) ."Decalcomanía".





ÓSCAR DOMÍNGUEZ

Óscar Domínguez (La Laguna, Tenerife, 1906 - París, 1957) es uno de los artistas más internacionales que ha dado nuestra vanguardia. Versátil y polifacético, forma parte de las primeras filas de la pintura surrealista. A finales de la década de los años veinte comenzaron sus primeros contactos con París, donde se establece permanentemente y donde su arrolladora personalidad destacó desde el primer momento dentro del grupo surrealista.



Es famosa su relación con los poetas surrealistas del movimiento parisino, como su fundador André Bretón, Georges Hugnet, Paul Éluard, Jacques Herold, etc, y su faceta de introductor, junto al crítico Eduardo Westerdahl, del Arte de Vanguardia en Canarias, cuyo ejemplo más notable fue la exposición surrealista del Ateneo de Santa Cruz de Tenerife, celebrada en 1935.


A mediados de los 40, tras su ruptura con el grupo de Bretón, le unió una gran amistad con Picasso, quien le influyó notablemente tanto en la temática como en el aspecto formal de sus cuadros. 

Convertido en el paradigma de la bohemia artística parisina, llevó una vida llena de excesos que le condujo irremediablemente al suicidio la nochevieja de 1957.

DECALCOMANÍA

Es una técnica pictórica inventada por Óscar Domínguez en 1936 que consiste en aplicar gouache negro sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen.



La «decalcomanía» es la técnica más famosa del surrealismo, y de aportaciones personales como sus objetos surrealistas, los «paisajes cósmicos» o las «superficies litocrónicas». El procedimiento de la decalcomanía es descrito así por André Bretón: «Extended, mediante un pincel grueso, gouache negro más o menos diluido en distintos puntos de una hoja de papel satinado blanco, que recubriréis inmediatamente con otra igual, sobre la que ejerceréis una ligera presión. Levantadla deprisa».




Junto al pintor surrealista Marcel Jean, Domínguez realiza ese mismo año una serie de decalcamonías en colaboración, añadiendo plantillas y viñetas a la técnica original e introduciendo así un factor corrector del azar, por lo que llaman a estas obras “decalcamonías automáticas de interpretación premeditada”. Mientras Jean se centra en el motivo de la ventana, Domínguez lo hacen en el del león, y ambos se combinan en una serie de dieciséis variaciones que denominan Grisou.

viernes, 16 de abril de 2010

EXPOSICIONES INTERESANTES DE DIBUJO EN DA2.SALAMANCA.

DEL 12 DE MARZO
AL 23 DE MAYO


Varios Artistas
Merrie Melodies




Artistas participantes: Chema Alonso, Vicente Blanco, Violeta Caldrés, Ruth Gómez, Paco Guillén, Fernando Gutiérrez, Abigail Lazkoz, Enrique Marty, Ling Ming Hui, David de la Mano & Pablo S. Herrero, Diego del Pozo, Marta Serna, Juan Zamora.
“Merrie Melodies”, (“Fantasías animadas de ayer y hoy” en español), era el nombre de una famosa y muy recordada serie de dibujos animados realizada por la Warner Bros Pictures entre 1931-1969 que constituyó uno de los hitos de la era dorada de la animación infantil.
Partiendo de la doble premisa de trabajar con animaciones y contar historias -pero en este caso para adultos-; que pongan en escena emociones, obsesiones, relaciones de poder y miedos, esta exposición reúne una serie de trabajos de artistas emergentes que redefinen una técnica tradicional como es el dibujo. 


DEL 16 DE FEBRERO
AL 30 DE MAYO


Juan Zamora
Where One Sun




Dibujante y creador sonoro, ambas facetas se funden en una gracias a las técnicas de la animación, una disciplina a la que se acerca desde una perspectiva sencilla en su factura y simplista en su forma. Haciendo uso de materiales tan primarios como el bolígrafo o el lápiz, Zamora plasma en sus vídeos los resultados de sus investigaciones en torno a la percepción sensorial y las relaciones personales protagonizados por figuras antropomórficas, de clara ambigüedad sexual y tan primarios en su forma que parecen esbozos.

Sus personajes cobran vida a través del movimiento y el sonido y es este último el que a veces acentúa los componentes más perturbadores y singulares de la pieza. Ruidos guturales, que aparecen asociados a su vez a ese pequeño movimiento y a distintos estados de ánimo. Su exposición combina piezas de pequeño formato realizadas en los últimos dos años con dos instalaciones creadas específicamente para los espacios del DA2.

DIBUJO Y EXPRESIÓN ( I )

TACHISMO
El tachismo (en francés, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache – mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Otros nombres de este movimiento son l’art informel (similar a la action painting) y abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). 




Los artistas del Grupo Cobra y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, entre otros.
Según Chilvers, el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Un Art autre (1952).»





Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.







INFLUENCIAS
Término acuñado por el crítico francés Michel Tapié para definir a un estilo de pintura propio de las décadas de 1940 y 1950, en el que priman los brochazos o las manchas de color. Próximo al informalismo, concedía importancia extrema a la creación espontánea e instintiva, excluyendo la planificación formal de la que prescinde también el expresionismo abstracto. Movimiento principalmente francés, entre sus principales representantes encontramos a Jean Fautrier, Georges Mathieu y al alemán Wols (Wolfgang Shulze). Sus lienzos se caracterizan por unos toques de color que pretenden expresar el estado emocional del artista, sin tener en cuenta cuál es el tema de la obra. En el siglo XIX, el término fue aplicado a los impresionistas para marcar el contraste con el neoimpresionismo y el sintetismo de Gauguin, así como a los macchiaioli de Ferrara.



CARACTERISTICAS
- Pintura abstracta no geométrica ni constructivista.
- Carácter gestual-informal marcadamente expresivo.
- En cierta medida evoca la realidad, pero atenuada por la expresión de la línea y el color (carácter lírico).
- Utilización de signos abstractos o arabescos hallados libremente que recuerdan caligrafías o pinturas orientales (Hartung).
- Empleo de manchas o borrones (taches) creados espontáneamente (Mathieu).
- Libertad de esquemas.
- En general, color limitado, casi acromático.
- Realización impulsiva, totalmente espontánea.
- Ausencia de planificación reflexiva previa.